[20° Aniversario] Mike Shinoda, Brad y Joe, comparten historias de la obra maestra moderna.

Hoy 24 de octubre Hybrid Theory de Linkin Park celebra su vigésimo aniversario y con él, el inicio de la revolución musical que aún hoy se puede sentir. Aquí, Mike Shinoda, Brad Delson y Joe Hahn comparten las historias y los secretos detrás de su revolucionario álbum debut ...

Los noventa fueron una época extraña para el rock. La era glam empapada de laca para el cabello había dado su última vuelta en Sunset Strip, el grunge explotó en Seattle y luego colgó silenciosamente su franela a medida que avanzaba la década, y Metallica se cortó el pelo en un intento por consolidarse como la banda más grande del mundo. Sin embargo, mientras el orden establecido buscaba reinventarse, la sangre fresca burbujeaba bajo la superficie. Una nueva generación de artistas sin miedo a abrazar las influencias musicales externas estaba ganando terreno, bandas como Korn , Deftones y System Of A Down estaban empujando los límites de lo que significaba ser una banda de rock y metal. Cuando la década llegó a su fin, seis chicos en California sintetizaron completamente los mundos contrastantes del metal, el hip-hop y el EDM en un sonido que cambiaría el panorama de la música pesada para siempre.

El 24 de octubre del 2000, Linkin Park lanzó su álbum debut "Hybrid Theory" en un mundo desprevenido. Formado apenas cuatro años antes bajo el apodo de Xero, fue el dúo incontenible de Mike Shinoda y Chester Bennington (él mismo un reemplazo del vocalista original Mark Wakefiled) lo que hizo de su sonido un arma tan formidable. Flanqueado por el guitarrista Brad Delson, el baterista Rob Bourdon y el tocadiscos Joe Hahn, la unidad icónica que conocemos hoy fue completada por el bajista Dave Farrell justo antes del lanzamiento del disco.

Compuesto por 12 pistas perfectamente diseñadas, con una duración de poco menos de 38 minutos, Hybrid Theory lidió con una conexión humana real, forjada con angustia y dolor, pero tuvo ganchos durante días. Fue una destilación de la emoción adolescente, realizada a través de coros desgarradores, gritos desgarradores, riffs metálicos grandilocuentes, magia electrónica prístina y rap estimulante. La música de tus padres no lo era, y sus efectos todavía se sienten hoy en día en todos, desde Bring Me The Horizon hasta Architects y Enter Shikari .

“Fue un momento espectacular en el tiempo en el que todo fue la primera vez”, dice Mike hoy. “La primera vez que grababa una canción en un estudio adecuado, la primera vez que trabajaba con un productor y un ingeniero jefe que sabía lo que estaban haciendo. Cuando fuimos a mezclar el disco, era la primera vez que iba a Nueva York: ¡tres cuartas partes de mis raperos favoritos son de Nueva York y yo nunca había estado allí! Conocí a Busta Rhymes en el estudio mientras mezclábamos. Fue jodidamente loco, [estar] en el estudio con este tipo al que había estado escuchando durante años ".

“Éramos una banda joven, así que no teníamos ninguna influencia para decir: 'Lo estamos haciendo a nuestra manera'”, recuerda Brad. “Hay mucha presión por parte de fuerzas externas para adaptarse a lo que sea que funcione en ese momento, pero nuestra visión era claramente diferente de todo lo demás. Había otras bandas que combinaban estos estilos de música, pero no de la manera que queríamos, y no íbamos a doblar nuestra visión ni diluirla de ninguna manera ".

Entonces, así es como esa visión se convirtió en realidad, pista por pista gracias a kerrang!...

Papercut

Mike: “Tan pronto como fue una canción, supe que quería Papercut en la parte delantera del disco. Hasta el día de hoy, parece que contiene gran parte del ADN de la banda en ese momento. El ritmo estuvo muy influenciado por Timbaland, el productor, luego las guitarras entraron con un tipo de sonido muy vanguardista, lo que ahora llamas ' nu-metal '. Debajo de eso, había un ritmo de drum'n'bass sucediendo al mismo tiempo, por lo que en los primeros 20 segundos tienes tres puntos de contacto principales de género atascados ".

Brad: “Todo el espíritu del álbum fue romper géneros. Ahora que vivimos en un mundo posterior al género, todo está destrozado y casi se espera en este momento. '¿Qué géneros estás combinando para hacer esto interesante?' Mientras que las cosas estaban muy en nichos cuando hacíamos música. El gran arte es abierto, fértil y sin ataduras, ese era el espíritu de nuestra banda y todavía lo es ".

Joe: “Hoy escuchamos música y la mayoría de la gente no piensa en el género. Las personas que hacen música no piensan que tienen que ceñirse a un estilo que hizo un tipo hace 30 o 50 años, ya no es así. Es como, 'Está bien, juntemos todo y hagamos que suceda'. Esa idea de la teoría híbrida que perseguíamos está siempre presente en todos los géneros ahora. No digo que sea solo por nosotros, pero lo hicimos bien en ese momento en particular para hacer eso y no preocuparnos por las críticas ".

One step closer

Mike: “Siempre le dije a la gente, 'No trates de poner la bandera de nu-metal en mis manos, porque no la sostendré'. Nuestra intención al entrar en el disco no era ser parte de una escena. No conocíamos a ninguna de esas otras bandas; nos gustó parte de ella y odiamos parte de ella. Solo estábamos tratando de combinar muchos elementos realmente dispares que personalmente amamos como grupo. Entonces, cuando la gente preguntaba: '¿Qué bandas escuchas?', La respuesta estándar sería The Roots, Portishead, Aphex Twin y Deftones . Pero si buscas más profundamente, obtienes Depeche Mode, Nine Inch Nails , Public Enemy, Rage Against The Machine , DJ Shadow ... "

Brad: "Siempre pienso que la canción es pesada porque tiene mucho poder en vivo, pero lo que me encanta de la canción real es que no solo es pesada, es electrónica, suena súper melódica, hay una calidad alternativa a la interpretación vocal. Es una canción hermosa y ese riff es probablemente el riff que más amo. Si bien es la introducción, sirve como columna vertebral de toda la canción. “

One Step Closer

fue en realidad la primera vez que nos escuchamos en la radio. Estábamos en nuestro primer autobús turístico conduciendo por Arizona y lo escuchamos en la estación que Chester creció escuchando. Llegamos a casa una semana después y lo escuchamos en una estación local, KROQ , y fue súper salvaje. Cuando era pequeño escuchaba la radio en mi habitación y llamaba para pedir canciones, pero tener mi canción en la radio era surrealista ".

Joe: “Mi canción menos favorita durante algún tiempo fue One Step Closer porque la escuché una y otra y otra vez. Muy pronto definió todo sobre la banda. Mucha gente escuchó esa canción en la radio y esa era su idea de lo que era la banda, mientras que el álbum en sí tiene mucho color. Pero para mucha gente se trataba de ese riff de guitarra de apertura y alguien gritando: "¡ Cállate cuando te hablo !" una y otra vez. Era una canción tan grande que teníamos que tocarla todos los días ( risas ), así que por un tiempo no diría que odiaba la canción, pero ponía los ojos en blanco. Salimos de eso y no me siento así hoy ".

With you Joe: “Trabajamos con estos chicos con el nombre de The Dust Brothers; queríamos que produjeran una canción, y terminaron dándonos partes de una canción. Supongo que tenían un remix que nunca sacaron y terminaron siendo solo samples. Tomamos esas muestras y comenzamos a construir una pista sobre ellas. Comenzó como un enfoque hip-hop; era obvio poner scratching allí y usar esos momentos de scratching como 'descansos' en la canción. Era algo por lo que estábamos muy emocionados de hacer. Fue una de las primeras colaboraciones que hicimos ”. Mike: “Pondría Papercut, Points Of Authority y With You, en una caja similar. Hay muchas cosas rítmicas ahí, son como pistas de hip-hop que se han vuelto rock ". Joe: “Se escribió el coro, la música y luego la letra y las melodías surgieron de forma bastante natural, lo que estableció el momento culminante de la canción por el que luchar. Hicimos un remix en [el álbum de remixes de 2002] Reanimation, donde tuve el rap de Aceyalone, que es uno de mis raperos favoritos; es muy influyente en el hip-hop y uno de sus héroes anónimos debido a la falta de singles comerciales en la radio. Fue increíble trabajar con él, junto con todos los demás en ese disco de Reanimation, porque todas eran personas a las que realmente admiramos y con las que queríamos colaborar. No eran personas del tipo "El Artista de la semana" , sino artistas realmente importantes que significaban mucho para la música en ese momento ".

Points Of Authority Brad: “Lo que me llama la atención de Points Of Authority es que obviamente puedes tocar el riff y resalta a la banda, pero al mismo tiempo el espíritu de esa canción es deconstruir la música en vivo. La guitarra está cortada, así que básicamente has tomado instrumentos en vivo, algo orgánico, y realmente has hecho uso de la tecnología digital en ese momento, que tartamudea y corta las cosas. Es tomar ingredientes orgánicos, ponerlos en una licuadora digital, y Points Of Authority es lo que surge. “Mike es el más experto del grupo en el uso real de la tecnología de grabación. Recuerdo que cuando éramos jóvenes, él leía manuales para equipos viejos, como manuales de 80 páginas, que es la literatura más dolorosa jamás escrita. Ese es uno de sus superpoderes: incluso cuando tiene tecnología básica, realmente aprende a usarla. Casi toca parte de la tecnología de grabación como un instrumento, y creo que se puede escuchar en esta canción ". Mike: “Aprendí a hacer música mezclando cosas que me gustaban y que a nadie más le gustaba juntos. Mezclaba Wu-Tang Clan y Smashing Pumpkins , Jackson Five con Mobb Deep y una muestra de Ministry ... Probé algunas cosas realmente raras ". Crawling Mike: “Siempre escribí mis propios raps, pero cuando se trataba de las partes cantadas, algunas canciones las escribía yo, había algunas canciones que Chester escribía, pero por lo general eran juntos. Incluso si escribía algo, cuando se lo diera, lo repasábamos, porque siempre quise que modificara las palabras y las hiciera suyas, para que cuando lo cantara, su personalidad estuviera ahí.

Crawling

fue todo lo contrario, donde escribió muchas de esas letras. “Había escrito la línea 'El miedo es poderoso ' en el coro, y cuando le preguntamos a nuestro productor Don [Gilmore] si le gustó la nueva canción, dijo: 'Está bien, realmente me gusta esa línea' El miedo es como yo cayendo ',' y ambos pensamos, '¡Oh, sí, esa línea!' Lo escuchó mal, pero escuchó una frase realmente genial por accidente ". Brad: “La intro es tan icónica: la instrumental, la electrónica y luego el coro de gritos guturales de Chester. Esta cantando? ¿Está gritando? ¿O todo lo anterior? Probablemente todo lo anterior, que expresó su instrumento de manera tan singular ”. Mike: “Ganamos un GRAMMY a la Mejor Interpretación de Rock por esa canción. No sabía qué significaba Mejor interpretación de rock cuando la ganamos, pensé que era la "mejor canción de rock", pero la parte de la interpretación es la interpretación en el estudio, y es 100% por la voz. Su voz en esa canción fue incluso difícil para él hacer algunas noches en la gira, y es imposible que alguien más la cante tan bien. Cada versión es una mera sombra de la interpretación de Chester de la canción ". Runaway Brad: “Runaway tiene una introducción punk al principio. Eso evolucionó a partir de una canción llamada Stick N 'Move. Cuando empezamos la banda nos llamábamos Xero, y luego había otros Xeros, así que nos llamábamos Xero 818, como cuando no puedes obtener la cuenta de Gmail que quieres, [así que] solo pones un número ... Eso es lo que eran las bandas haciendo en ese momento. Luego Chester se unió a la banda y cambiamos el nombre a Hybrid Theory, luego alguien nos dijo que teníamos que cambiarlo, lo cual era ridículo, así que nos convertimos en Linkin Park y el álbum se convirtió en Hybrid Theory. Runaway realmente cuenta la historia de ese viaje; la canción original fue escrita por Mike y Mark ". Joe: "Todos tuvieron que hacer sacrificios, ya sea para seguir su carrera, terminar la escuela, decidir no seguir una carrera diferente con un título de posgrado ... Todos tenían que dejar lo que estaban haciendo y decir: 'Está bien, queremos dar esto una oportunidad y llevarla tan lejos como podamos. Creo que el caso más extremo fue Chester, porque una vez que supo que estábamos buscando un cantante y estábamos interesados, dijo: 'Está bien, ¿cuándo me mudo?'. Simplemente asumió que era el cantante porque lo quería tanto, y dijimos: 'Está bien'. Empacó todas sus maletas y se mudó a Los Ángeles , lo cual fue un gran problema. Tenía una casa, una esposa y una vida plena, pero básicamente decía: 'No me van a pagar por hacer esto, pero tengo que comprometerme para que podamos hacer avanzar la pelota' ”. By My Self Joe: "Había tres canciones que Mike había escrito con nuestro cantante anterior, Mark, y eran increíbles, pero había un problema porque cuando Brad consiguió la cinta y la puso para un ejecutivo de un sello, les gustó lo que oyeron, pero quería ver a la banda tocar en vivo. [Brad estaba] como, 'Está bien ...' y tuvo que resolverlo porque no había banda ( risas ). Ahí es donde comenzó el origen de la banda. “Esas canciones no llegaron a Hybrid Theory, pero la banda se unió y comenzó a escribir más música; A Place For My Head y By Myself fueron dos de las canciones que se escribieron en ese período. Había un objetivo en el tipo de canción que estábamos escribiendo en ese momento, y una gran parte de eso era tener canciones para tocar en vivo. Esas canciones tienen una energía muy llena de suspenso, especialmente en los versos, con una efusión de emoción en los coros. Parte de nuestro objetivo era conseguir esta idea personal que tiene conflicto, y que fue fácil de hacer debido a nuestra edad en ese momento y esa emoción universal de no encajar y la angustia adolescente ( risas ). La otra intención era hacer que esas canciones explotaran en cierto punto, y cómo eso se traduce en vivo en que la gente se cargue realmente, lo que eventualmente lleva a un momento de mosh pit ”. Mike: “Nos estábamos divirtiendo. Fue estresante y la mayor parte del tiempo no sabíamos lo que estábamos haciendo ... pero lo que nos ayudó a superar todo fue ser nosotros mismos, saber que hicimos un disco del que estábamos muy orgullosos y conocer a fans que nos conectamos a través de esa música ". In The End Mike: “Las dos canciones que tenemos que tienen más de mil millones de visitas en YouTube son In The End y Numb, por lo que según los números,

In The End

es nuestra canción más importante. Lo gracioso es que, en el momento en que puse esa demo para los otros chicos, supieron que esa canción era especial. Chester siempre decía que no la entendía, que no le encantaba esa canción, pero creo que olvidó que hubo momentos en los que realmente la entendió. Siempre decía: 'Nunca lo entendí, los muchachos nunca deberían dejarme elegir sencillos', porque nunca pensó que sería tan grande como lo era ". Brad: “Creo que es una canción perfectamente hermosa. Es honesto, el sentimiento emocional es tan visceral y convincente. La interacción entre Chester y Mike es tan elegante y discreta. Pensar que cantarías una palabra y luego la convertirías en una vocal y la mantendrías sobre lo que sea que Mike continúe diciendo. Es bonito." Miguel: “Nuestro baterista Rob cuenta esta historia en la que me encerré en nuestro espacio de ensayo realmente sombrío [en Hollywood], que en ese momento eran traficantes de drogas y prostitutas. Ahora todos son restaurantes elegantes, pero en ese entonces no querías caminar de noche. Quería pasar la noche y escribir allí porque era donde ensayábamos, y todo nuestro equipo estaba allí. No hay ventanas, así que estoy en este extraño aturdimiento, y finalmente los chicos aparecieron y dijeron: '¿Cómo te fue?' Les toqué In The End y Rob dijo: 'Sabiendo que estabas aquí escribiendo anoche, estaba pensando que necesitábamos una canción melódica que fuera más atemporal y universal que fuera más grande, en un estilo de composición, que cualquier cosa que hayamos hecho'. hasta ahora, y lo hiciste. No creo que supiéramos que sería tan grande, pero sabíamos en ese momento que era lo más accesible que habíamos hecho ". Brad: “Cuando tocábamos In The End en vivo, cuando llegamos al puente, siempre era tan fuerte que no podías escuchar a la banda tocar. Naturalmente, en algún momento, simplemente dejamos de jugar en ese momento. Chester y Mike simplemente tendrían los micrófonos y encenderían las luces. La increíble efusión de emoción personal; es una multitud cantando junta, pero cada persona está enamorada de la canción porque están invirtiendo su propia historia de vida en ella ". A Place For My Head Brad: “Esta es una de mis canciones favoritas para tocar con la guitarra. La canción originalmente se llamaba Esaul, en honor al compañero de habitación de nuestro vocalista original Mark, simplemente le pusimos su nombre sin sentido a la canción ( risas ). Es una canción realmente intensa y evolucionó con el tiempo, definitivamente hay momentos en la demo que hablan por sí mismos, y hay momentos en la versión de Hybrid Theory que son innegables. "Lo que era genial de esa canción en vivo es que cuando llegas a la parte súper intensa del puente, simplemente paramos la música y Chester estará completamente entre la multitud, probablemente sostenido sobre los hombros de alguien" y realmente tendría a la multitud en su mano y la llevaría a donde quisiera. Y cuando ese intenso grito ocurre, se desata el infierno ". Mike: “En ese momento estaba realmente interesado en lo que llamaríamos un 'ritmo de rebote' en Papercut y A Place For My Head. Me gustaban mucho esos en ese momento porque para mí, rapear, buscas el equilibrio adecuado entre lo que dices y cómo lo dices. ¿Cómo estás montando el ritmo, cuáles son tus patrones, cuál es tu ritmo? Sabiendo quién soy y dónde encajo en las cosas, me hubiera encantado ser solo un rapero, pero sabía que nunca sería aceptado, porque en el papel no sería un buen rapero ( risas). No podía o no quería hablar sobre las cosas que eran más emocionantes en una canción de rap en ese momento. No tenía una historia interesante sobre el capó. Nunca usaría cosas raciales, en ese momento no maldeciría, traté de encontrar formas de comunicar incluso cómo formaba las palabras. Me mantuve alejado de ciertas palabras o ciertas expresiones y coloquialismos populares de raperos porque sonaban poco auténticos al salir de mi boca ". Forgotten Joe: “Después de la demostración de tres canciones, la banda se unió para escribir canciones. Esto era parte del nuevo lote y realmente fue una exploración de cómo podemos usar una máquina de cinta de cuatro pistas. Solo podíamos grabar cuatro pistas al mismo tiempo y si tenía más que eso, tenía que saltar a otras pistas, todo en un cassette. También había una limitación de tiempo de grabación en un muestreador, por lo que tenía que grabar sonidos realmente importantes para eso. Si comparas eso con las artes visuales, es una paleta limitada, una cantidad limitada de colores con los que lidiar, lo cual creo que fue genial porque tomamos cada pieza que agregamos a la música y la maximizamos. “Con esta canción en particular, estábamos en la búsqueda de igualar el lado hip-hop de lo que estábamos haciendo con esta gran acumulación. Siento que la música que escribimos en estos días es más suave, pero mucha de la música de los primeros álbumes son segmentos que encajan perfectamente como un rompecabezas. Este es el ritmo, aquí es donde entra, aquí es donde cae ... Funcionó perfectamente con dos vocalistas, Chester y Mike, porque creó una plantilla para que realmente se enfrentaran entre sí. El concepto de esa colaboración vocal, ya sea el rap de un tipo que pasa al rap de otro o una melodía en una melodía, un rap en una melodía, funciona tan bien que podríamos llevar esas ideas aún más lejos con el resto de Hybrid Theory ". Brad: “Creo que la idea era que, si solo escuchas rap, tal vez te enamores de una de estas canciones y descubras el rock pesado. O si simplemente te encanta el rock pesado, esta será una puerta de entrada al hip-hop. Nos gusta abrir puertas en todo tipo de direcciones. Lo asombroso en lo que pensar ahora es en los niños de 12 o 13 años, que están descubriendo álbumes que son realmente significativos para ellos, están descubriendo este álbum como si fuera nuevo, de la misma manera que cuando estaba aprendiendo guitarra, estaba aprendiendo todos los Canciones de Led Zeppelin. No podrían haber sido más relevantes para mí, pero yo no estaba presente cuando se hicieron esas canciones, entonces, ¿cómo sucedió eso? Obviamente, los Led Zeppelin son increíbles, pero parte de esa música trascendió la época en que se hizo, y hay álbumes clásicos que han salido desde entonces ...Appetite For Destruction , el álbum de grandes éxitos de Bob Marley: la gente los toca para siempre. Nos inspiraron estos álbumes clásicos, por lo que tener uno es un sueño hecho realidad. Este es el álbum que inició nuestra carrera y todavía resuena hoy de una manera mágica ". Cure For The Itch Joe: “Al escribir el disco teníamos una cierta intención en mente: incorporar nuestras influencias y la música que amamos en lo que hacemos, para ayudar a definir lo que finalmente se convirtió en nuestro sonido. Siento que había un desequilibrio porque cuando estábamos haciendo el disco de Hybrid Theory había mucho más énfasis en el lado del hard-rock, no era 50/50, pero siempre que entraba el lado hip-hop o electrónico, tenía ser impactante. Recuerdo que Mike hizo esa sección de cuerdas como parte de un ritmo general que hizo junto con muchos otros. Realmente nos gustó la naturaleza orquestal, le pusimos un ritmo y luego pensamos, '¿Cómo integramos scratching, glitching y jugar con los beats de una manera genial?' “La forma en que se desarrolló en el disco fue la ruptura perfecta con todo lo que estaba escuchando. Creo que pista a pista hay mucha diversidad, te da un buen viaje, luego obtienes un buen descanso antes de que termine el récord. También arroja luz sobre el lado de la producción de ritmos de lo que hacemos ". Brad: “Me encanta Cure For The Itch. Es instrumental, es Joe presumiendo, pero de una manera súper funky, y esa canción es intemporalmente genial ". Pushing Me Away Mike: “Cuando estábamos trabajando en ello, mi intención o dirección de otras personas, probablemente Don y Brad, era que 'Crawling' es realmente genial y no tenemos nada más como eso; tal vez sería bueno tener otra canción en ese sentido. Melódico, sin rapeos, acordes potentes, pero aún con mucha energía '. Brad y yo teníamos este amor y aprecio por Depeche Mode, así que quería comenzar la canción con algunos de esos elementos tipo gancho de teclado, que tradujimos a armónicos de guitarra. El único elemento hip-hop ahí es cuando Chester lanzó la línea, ‘Why I played myself this way’. Y cuando escribió eso, supe que estaba tratando de usar un "vernáculo", que era un pequeño ritmo de hip-hop en las palabras, pero la verdad es que nunca diría esas palabras en la vida real. Me sentí un poco incómodo con esa línea, como, 'No eres tú quien habla, pero sé lo que estás haciendo'. Es inteligente que esté tratando de pegar el componente hip-hop de la banda en la letra, sentí que era un poco falso. Pero es una crítica menor a una canción que, por lo demás, creo que es genial, y la participación de todos en la banda fue realmente fuerte ". Brad: “La magia de Linkin Park, y ciertamente la magia de la teoría híbrida, siempre ha sido la gente. Creo que la hermandad única siempre ha sido esencial para verter nuestro amor en nuestro arte y la música que hemos hecho y seguimos haciendo ". Joe: “En última instancia, queremos conectarnos con la gente. A través de la música nos conectamos y las piezas musicales se conectan entre sí para convertirse en una experiencia con la que otras personas pueden conectarse. Y las relaciones crecen a partir de ahí. Para nosotros, es la relación con el fan, aunque no estemos como, 'Vamos a tomar un café y pasar el rato', la música habla de lo que hacemos y los fanáticos lo toman de cualquier manera, ya sea que venga a un programa. o retribuir de alguna manera. Lo sentimos y nos anima a seguir haciendo música ”. Mike: “Todo ese viaje de [Hybrid Theory] fue una locura. Es impactante y un milagro que logremos mantener la cabeza recta y seguir siendo buenos amigos y seres humanos decentes al final de todo ". Puedes descargar este Álbum desde

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